信仰•符號•新視野──版畫家廖修平

他認為，台灣的年輕藝術工作者都太短視，只在乎能否快速成名致富，出國拿到學位也無心創作，只急著回國謀得安定教職。「早期的創作者在意的是藝術價值，一心要創作出表達自己理念的作品，而不是迎合市場喜好。」廖修平表示：「人應該相信，在我們之上還有更高的東西，一個理念、一種信念，值得我們用盡一生去追求。」

廖修平，1936年生於台北，父母育有1女9男，他排行第4。父親廖欽福出身佃農之家，日治時期畢業自台灣商工學校工科土木組，是當時唯一參與桃園大圳、嘉南大圳、日月潭電力工程等3項對台灣經濟影響深遠建設的台籍技師，終戰後自組營造公司，白手起家。

1939年，廖家全家遷居龍山寺對面，巍峨的廟宇、華麗而古舊的裝飾藝術、虔誠膜拜的信眾，讓小小年紀的廖修平留下深刻印象，那時龍山寺前沒有擁擠的市集，只是一片廣場，他常和同伴在那裡打陀螺。

7歲那年，母親感染傷寒，在當時醫藥不發達的年代，死亡率極高，父親心急如焚，常常帶著他到龍山寺祈求神明，保佑母親早日痊癒；香燭和金紙，成了他和神明溝通為母祈福的媒介。種種與龍山寺相關的記憶，日後都成了他創作的泉源與動力。

年幼時，廖修平經常趴在桌上看父親繪製建築藍圖，在大同中學就讀時又得到美術老師、台灣前輩畫家吳棟材啟蒙，高中時作品便入選省展。1954年考入師大美術系，受教於大陸來台的國畫大師黃君璧及林玉山、廖繼春、陳慧坤等台灣當代名師，不料大一再度參加省展竟然落選，讓他深感挫敗。

在吳棟材老師引介下，廖修平課餘到前輩畫家李石樵的畫室學習，李石樵或許看穿他的心情，便以自己當年投考日本東京美術學校（現東京藝術大學）第3年才如願考上的經驗鼓勵他：「不要管別人評價如何，認真畫下去就對了！」

「生活符號系列」，廣泛運用油彩、壓克力彩、鉛筆、木板、金箔等綜合媒材，色彩以紅色為基調，傳達「在繁複的現代生活中，隱藏著生生不息的自然秩序及充滿傳統節慶喜悅的況味。」雙福（三聯幅）2008壓克力•金箔•畫布

赴日 開啟版畫視野

師大畢業，廖修平靠著分發獲得穩定教職，但出國深造的念頭始終縈繞腦海，然而當時社會風氣保守，學美術在社會上很難找出路，面臨抉擇時，母親安慰他：「怕什麼呢？家裡兄弟那麼多，每個人少吃一口飯，就有你吃的！」有了家人做後盾，他決心展翅翱翔藝術領域。

1962年赴日本東京教育大學（現筑波大學）繪畫專攻科進修，課餘，到高橋正人開設的「視覺設計研究所」學平面設計，「當時會去學設計，是自覺學藝術難以謀生，為了生活，最好還是學習一技之長。」廖修平說，雖然日後不曾真的靠設計為生，但這段經歷，對他日後作畫時在色彩和構圖上，無形中都有莫大幫助。

留日期間，他才真正認識版畫，不同於一般繪畫的手繪，版畫是用「版」來當媒介物所製作的繪畫。除了當時台灣可見的凸版木刻畫之外，還有以銅、鋅、合金等金屬為材質的凹版銅版畫、平版的石版畫，和孔版的絹印畫，形式活潑且技法多樣，讓他感受到在科技加持下，現代版畫的無限可能性，自此開始學習銅版與石版技法入門。

當時日本藝壇生氣蓬勃、名家輩出，對年輕藝人是重要且嚴峻的挑戰。廖修平在這樣的環境下表現不凡、得獎連連，並以油畫「門神系列」參加日本「示現會」美展，首度參賽便獲得首獎，讓主辦單位相當詫異，由於民族主義心態作祟，又另選一幅日籍畫家作品並列第一。

從教授口中得知「並列第一」的原委後，讓他自教育大學繪畫專攻科畢業後（等同碩士學位），決定到藝術根源與引領潮流的法國深造，1965年進入國立巴黎美術學院油畫教室進修，課餘在國際版畫大師海特主持的「版畫17工作室」專攻版畫。

「結與默象系列」，希望藉捆紮繩結，對以往繁華生活不知惜福做內省。結2000油彩•畫布

重新面對東方

1965年，廖修平以油畫〈巴黎舊牆〉獲法國春季沙龍銀牌獎，油畫教授薛士德（Roger Chastel）卻提醒他：「你是來自台灣的東方人，應該有你獨特的題材與風格。」一語驚醒夢中人，卻也讓他陷入理想與現實的抉擇，「畫風景油畫既能得獎又能賣錢，但，我千里迢迢來到法國，難道就只是為了賣畫餬口嗎？」當時已年近30的他，常常徘徊塞納河邊，思索著究竟該忍受風險投入創作？還是安於現狀賣畫？

最後他決定堅持自己的藝術追求，但要尋找屬於東方的題材時，又發現以前所學的技法都深植於西方的藝術土壤中，難以抽離運用，連美學思維都面臨了全盤重整的考驗。

這段時間他深受困擾，無法創作，經常流連巴黎吉美博物館，在館藏的中國青銅器和清朝官窯微妙多變的釉色中駐足良久，「透過器物，彷彿有跨越時空，與歷代名匠凝視神交之感。」這樣的體驗，讓他回想起童年記憶中的龍山寺，「巍峨大門，將世界一分為二；門外是人的世界，門內是神的世界。」

他決定擷取青銅器和清朝官窯的圖紋樣式，創作「門系列」，思索人與宇宙之間的相互關係，探求陰陽循環不息又維持和諧的精神，「若就生命歷程而言，我們通過『門』來到人間；而為了生活與認識這個世界，又不知還要打開多少『門』。」此系列作品雖然不多，對「門」的思索，卻喚醒了深埋已久的台灣鄉土記憶，思緒宛如鮭魚洄游般，渴望著返回自己的文化根源。

多年來，廖修平不辭辛勞遠赴各國教導現代版畫技法與經驗，如今落葉歸根返台創作，希望藉藝術跨越時空國界，觸及人們心靈最深處的悸動。

巴黎廟飾系列

長年離鄉背景，故鄉的種種影像在心中更加醇化，而成為創作時的營養，從吸收、詮釋、重構到創作，不僅運用海特的一版多色凹凸法，表現廟宇斑駁古舊的廟飾與神像，藉龍山寺、春聯、門神、香爐……，表達安居樂業的祥和人間，還大膽揮灑金、銀、紅、黑等色彩，讓作品氣息充滿豐足的節慶意味，「廟飾系列」成功形塑廖修平獨特的東方藝術風格。

無論是菱形春聯、民俗信仰的七爺八爺、象徵東方婚禮的「雙喜」……，廖修平巧妙結合現代繪畫造型觀念和本土符號元素，以版畫形式重新詮釋、發揚台灣鄉土文化美學，不僅讓巴黎藝壇驚豔，也讓他在1966年成為首位進駐「國際藝術家村」（Cit?Internationale des Arts）的華人藝術家。

學習版畫，雖然為廖修平的藝術創作開啟了另一扇窗，但銅版畫需大量接觸多種化學藥劑，長年下來，肺部、呼吸系統與皮膚都受到了程度不一的傷害。首先創作前須先在金屬板表面塗上一層防腐蝕劑，調配防腐蝕劑需用甲苯、松節油、酒精作溶劑，之後以鐵針、尖筆等刻劃線條，再放入腐蝕液中，使刻劃部分起化學反應，達到蝕刻效果。

為了追求線條深淺不同的蝕刻效果，腐蝕液又分成適合版面凹凸形狀及粗糙面蝕刻的強硝酸水、適合細點和細面蝕刻的弱硝酸水；對細線腐蝕有絕佳效果的鹽化第二鐵溶劑；適於腐蝕細點、細線、精細面的荷蘭酸（鹽酸）3種。

其中，硝酸水又稱酸水，置入金屬板後，被腐蝕的部份會產生氣泡，這種氣體含有一氧化氮NO和二氧化氮NO2，長期吸入會傷害肺部和呼吸道，而酸水飛沫不僅會弄污、破損衣物，皮膚長期接觸也會發生病變，變得敏感而脆弱。

將台灣民間祭拜後所焚燒的「經衣錢」圖案化成幾何符號，結合「門」的哲理意涵，引發觀者對陰陽兩界的探索與聯想。來世1972絲網版畫•浮雕

美國符號系列

1968年，巴黎爆發政爭學潮，學生不僅罷課還霸佔學校，情勢極端混亂，此時美國邁阿密現代美術館發函邀請他開個展，廖修平當下決定帶著妻小舉家遷美，定居紐約，進入紐約布拉特Pratt版畫中心擔任助手，換取免費使用工作室的版畫設備印製作品，一方面學習絹印，一方面接觸其他版畫家，探索各種版畫技巧。

廖修平表示，每種版畫各有其獨特性與表現效果：木版擁有線條古拙、黑白強烈對比，以及趣味盎然的木材肌理；銅版有尖銳自在的線條及濃淡協調的特殊魅力；石版可以恰如其分地呈現創作者筆觸及水墨渲染的韻味；絹版則以均勻整齊的色面重疊和鮮豔色彩為特色，像普普藝術大師安迪•沃荷就以絹版創作知名。

為了達成創作者想表現的效果，版畫家還可以將其中兩種或數種版型在同一作品上拼用，總稱「拼用版」。廖修平強調：「拼版法較一般繪畫表現來得更為自由而且不受拘束，使作品產生或是錯綜複雜、或是妙趣橫生的效果。」

此時期，故鄉再度成為他創作的靈感泉源，台灣民間在鬼月（農曆7月）祭拜後，會燒給往生者一種上面印滿梳子、鎖、剪刀、杯、盤、傘、鞋等日常用品圖案的冥紙「經衣錢」，希望在另一世界生活的親人富裕不缺。他將這些圖案化成幾何符號，結合「門」的哲理意涵，採用規格化安定對稱的構圖形式，發展出「符號系列」。

「創作者的風格會隨著社會節奏而改變。」有別於法國的悠閒步調，美國棋盤式的街道，呈顯的是一切講求規格制式的速成文化，因此，法國時期的手繪線條，到了美國後改用尺畫出規格工整、對稱的符號圖案，但仍保持精緻典雅的視覺感受，〈太陽節〉、〈陰陽〉、〈東方節〉、〈來世〉等版畫作品，引發人們對陰陽兩界的探索與聯想。

1973年，母校台灣師大美術系聘請他回台，教導現代版畫的各種技法。廖修平除了教授一版多色技法外，還將照相技術併用在版畫上，異鄉遊子心中象徵故鄉的龍山寺，裊裊香煙不再只是幻覺，絲網版畫結合照相技術的〈朝聖〉、〈廟〉等作品，呈現更真實的人間樣態。

應母校東京教育大學之聘，1977年單身赴任兩年半，以日常採買的食物與日用品創作「季節系列」，返美後延續成「雅聚」、「雅敘」系列。此圖採用「美柔汀」技法，繁複細膩，難度極高。悠閒1980紙凹版•浮雕

返台推動現代版畫教育

為了推廣版畫創作，廖修平除了在中國文化學院、國立藝專兼課外，晚上還在台北開設版畫工作室教學，當時包括楊英風、李錫奇、楚戈等人都曾跟他學習，暑假還受邀到香港中文大學校外進修班指導與示範版畫製作。

為了配合教學，1974年出版《版畫藝術》一書，至今仍是以中文介紹版畫技術的最佳範本，同年獲頒我國「10大傑出青年」，並將自己與國外版畫家交換的近50幅作品，交由中華民國教育學會主辦「紐約國際版畫家聯展」，讓國人在冷肅的戒嚴時期終能一窺國外版畫作品。

返台3年，繁忙的教學課程讓他幾乎無法創作，1976年返美，隔年又應母校東京教育大學之聘，採購設備並籌設版畫工作室、開設版畫課程。在那「單身赴任」的兩年半時間中，廖修平必須自己採買食物與日用品，這些日常所見的蔬菜、水果、杯盤、盆景成了版畫題材「季節系列」，返美後，延續成「雅聚」、「雅敘」系列。

隨著人生旅程與生活環境的變化，廖修平的創作主題和表現的視覺符號也隨之改變，而集結成象徵現代人在機械文明下失去原始個性的「木頭人」；以不同國家酒瓶象徵世界多元文化、和平共處的「園中雅聚」；以及藉著捆紮繩結，對以往繁華生活不知惜福做內省的「結與默象」等系列作品。

2000年，延續「符號系列」而成的「生活符號系列」，廣泛運用油彩、壓克力彩、鉛筆、木板、金箔、剪貼等綜合媒材，甚至從平面繪畫和版畫，發展成半立體的浮雕和立體雕塑作品。色彩以吉祥喜氣的紅色為基調，輔以象徵富貴的金、銀兩色，以黑色勾勒規格且對稱的符號線條，傳達「在繁複的現代生活中，隱藏著生生不息的自然秩序，及充滿傳統節慶喜悅的況味。」

（左下）「木頭人系列」，象徵現代人在機械文明下失去原始個性。木頭人1986絲網版

喪妻之痛夢境系列

1988~1991年，廖修平又分別受邀到中國北京、上海、西安、廣州等地講學，教導現代版畫技法與經驗，為中國版畫注入新活水，他的作品也陸續被包括英國倫敦大英博物館、美國紐約大都會博物館在內的國際重量級美術館典藏。正當創作、教學、生活，一切順遂無波時，誰能料到厄運突然降臨，驟然間將他從雲端重重摔落地面？

從大學時一路相伴、攜手40多年的妻子，2002年在一次獨自外出賞鳥時發生墜崖意外身亡；頓失生命中最堅定支持的力量，讓廖修平陷入了極度的痛苦和抑鬱之中。夜裡，夢境中一雙雙呼救、掙扎的手，驚醒後仍緊緊攫住他的心神不放，即使服用安眠藥仍無法入睡。遭逢人生劇變，他選擇返台從事繪畫和版畫創作，並承歡膝下陪伴近百歲高齡的父母。「父母晚年多次進出醫院，讓我對於生命的無常逐漸能坦然面對。」這樣的體悟，最終讓他從喪妻悲痛中走了出來。

他決定將揮之不去的恐怖夢魘傾訴於作品上，始自2003年的「夢境系列」，一隻隻由地底向上伸展的手、靜止或飄浮在空中的冥紙，明顯呈現陰陽二元世界的氛圍，他以具象、簡潔的形式，陳述幽暗渾噩夢境中，複雜難理的情感糾葛。

然而，從連續惡夢、失眠到化為創作，在夢境探索與情緒掙脫的過程中，他形容：「就像獨自走進歌德《浮士德》中所寫：無人涉足、無人通行的區域。」那是一個沒有路標、沒有遮避的所在，如果沒有勇氣和毅力來面對探索過程中未知的危險與痛苦，就有可能把自己再度鎖回狹窄的窩居世界，從此不見天日。

彷彿是畫家破格而出的最後掙扎，以往拘謹、理性、溫文儒雅的藝術語彙，在「夢境系列」中被解放了，少了往日的秩序，注入了許多不確定性與任意性。2005年，廖修平以油彩、金箔、拼貼等技法完成的畫作〈今夕何夕〉，早期「門系列」的意涵符號再度延續，然而圖中的「門」被一張冥紙所取代，而冥紙正是陽世親人燒給往生親友的「財富」，表達雖與妻子陰陽兩隔，但仍深切希望伊人在另一個世界過得平安有餘裕。

2008年以裝置手法完成的〈無語〉，畫布裡，黃色象徵孕育自然的大地，從土地裡奮力向上伸展的手，有掙脫而出、迎向光明之感，畫作前矗立在古樸圓凳上枯枝狀的手掌雕塑，隨光線在畫布下方投影出姿態各異的剪影，展呈佛家偈語「生死還雙美」的生命體悟。

創作永不退休

秉承家訓、苦幹實幹的廖修平，不僅將畢生精力投入創作，更努力推廣這種常民性格強烈、價格大眾化的「複數藝術」。1983年，廖修平向政府建議舉辦兩年一度的「中華民國國際版畫雙年展」，第一屆就有來自七十幾個國家、一千五百多件作品參展，成功地將台灣現代版畫和創作者推向國際藝壇。

1984年，父親廖欽福在多年奮鬥後創建福華飯店，9個兒子齊心協力襄助父親，廖修平也負起藝術總監之責；為了提供台灣年輕藝術家一個展示舞台，同時讓來台的國際人士能貼近瞭解台灣現代美術風貌，1984年成立「福華沙龍」，首開國內在五星級飯店經營藝廊的風氣。

今年73歲的廖修平堅持藝術創作沒有退休的一天，在海外創作四十幾年，經歷各種藝術潮流的衝擊，但他認為潮流是一時的，多年來始終堅持東方理念，藉著藝術跨越時空與國界，觸及人類心靈最深處的悸動。這是藝術的偉大，也是他終其一生所追求的理念。