Betting on Abstract Art

Chen Cheng-hsiung’s Journey of Self-Discovery
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2018 / May

Cathy Teng /photos courtesy of Chen Cheng-hsiung /tr. by Robert Green


Chen Cheng-hsiung is the only Asian artist to have been conferred both a Lifetime Achievement in Art Award and a Lorenzo il Magnifico Award in two different years at the Florence Biennale. In 1999 he received both awards for his “Window” series, and in 2001 he was honored again for his “Digital Space” series. Dr. John T. Spike, chairman of the jurors’ committee for the 2001 Florence Biennale, said that no other abstract artist had shown so perfect an artistic conception of today’s digital space through their work. He cited this as the reason that Chen won the awards for a second time.

Chen has been working as an abstract artist for over 60 years, since first discovering the art form in his youth. He is now an internationally acclaimed master, and yet not only is abstract painting still his greatest passion, he still strives tirelessly to come up with innovative techniques for his artistic creations.


Press the start button on a computer and a floating window icon pops up on the screen. This is the start screen of the Microsoft Windows operating system. Although the graphic is familiar the world over, only in Chen’s eyes did it become a source of inspiration. He further incorporated impressions of the shapes of Russian icon paintings and made use of the calligraphic brush style known as “wild cursive” script. This was the origin of his “Window” series. At the time Chen was already 57.   

Having observed that human life had entered a virtual space constructed from the most basic numerical elements—zeros and ones—Chen was inspired to create his “Digital Space” series. He divided his canvases into three blocks, two at the top and one across the bottom. The top two blocks were colored in blue and yellow. The panel stretching across the bottom featured Chinese calligraphy in the wild cursive style. In introducing Chen’s work his biographer, the French-based Chinese author Zu Wei, once explained that the blue represented the ocean and the yellow the land. Together they represent the quantum world in which humans exist. The text and images adorning the lower portion, on the other hand, represent the digital living space. Chen thus captured our digital age with the simplest of abstract elements. The series once again elevated him to the pinnacle of his art form. He was 66 that year.

Many artists entering their 60s feel that their reputations are already set, and put away their brushes. But Chen’s paintbrushes still dance on the canvas, keen to the changing times. He mingles his observations with his impressions and feelings, and creates visual representations of his invisible inner world. Now in his 80s, Chen is determined to surpass his past successes, an attitude that reminds us that it is the passion for creation that leads to an extra­ordin­ary artistic career.

Betting his future on abstract art

In looking back at his work, it becomes clear that “stasis” was never in Chen’s vocabulary. In high school, when he was studying under the celebrated painter Li Shih-­chiao, his work already showed a unique style. “I think it’s just my nature,” Chen says. “I like a freer style. When I paint a landscape, I prefer to approach it subjectively, capturing the feeling of the subject matter.”

Chen found success at an early age. In high school his artwork was selected for important art exhibits in Taiwan. In his final year in high school he was planning to study art in Paris, but his father talked him out of it. Instead he enrolled in the economics department at National ­Chung ­Hsing University. Chen, who is fluent in Japanese and English, spent much of his time reading classic academic studies of Western abstract art, including Wassily Kandinsky’s Concerning the Spiritual in Art (1911) and Sir Herbert Read’s A Concise History of Modern Painting (1959). The works gave him a better understanding of abstract painting.

Chen longed for the liberating spirit of abstract art and decided that his artistic future would be devoted to its exploration. He was only 23 at the time.

Making a career as an artist, however, is no easy thing, so after graduation he took a job working in the USAID office in Taiwan and painted in his free time. 

In those days there was a large foreign community residing in Taiwan. He was commissioned by a major general in the US military to paint a portrait depicting the American weathering a crisis with unbending resolution. The general loved it, and Chen continued to paint in the abstract style. He later sold paintings to the US and Brazilian ambassadors. At the time the exchange rate was US$1 to NT$48. A single painting could fetch US$300 to $500, the equivalent of a year’s salary for his classmates who worked in banks.

Although his paintings fetched high prices, they were purchased mainly by foreign collectors. The domestic art market was not yet well developed. But Chen threw his concerns to the wind, quit his job, and set out to make a living as a professional painter. He was 32.

Creating a new species of art

Chen’s abstract paintings are known for their dots, lines, surfaces and bright colors. His paintings feature a riot of colors, and convey a sense of joy to viewers.

The inspiration for his color schemes comes from his collection of art and artifacts from Taiwan’s Aboriginal peoples. He began collecting at 31 and has been at it for more than a half century. His interest was sparked after accompanying a foreign friend who was purchasing Aboriginal artifacts. Chen bought a few traditional tobacco pipes, and he admired them so much that he became a collector of Aboriginal art himself. Since then he has traveled all over Taiwan visiting various indigenous communities and conducting anthropological studies. Chen was attracted to their bold use of color and unrestrained lust for life. These became elements of Chen’s own painting style.

Chen has also wandered across the globe, cultivating friendships with other artists, such as the American abstract painter Sam Francis, French contemporary artist Pierre Alechinsky, and Kumi Su­gai, a Japanese abstract painter living in France. As their friendships grew, they also explored each other’s artistic ideas.

Chen’s varied serendipitous experiences have all become elements of his art. “The artist must establish a personal store of artistic ‘genes,’ and know how to seek out and select novel components from the treasury of alien cultures,” he writes in The Sayings of Chen Cheng-­hsiung on Art. “The utmost artistic ­strategy is the utilization of these materials to create new species of art and works of boundless meaning.” The interaction of those “genes” has driven his career from peak to peak of creative genius.

Art as visual metaphor

In his introduction to Chen’s book, Zu Wei recounts a conversation with the famous Chinese-French painter Zao Wou-ki, in which he asked the painter what feelings he had wished to convey in a particular painting. “If I could tell you that,” Zao said. “I wouldn’t have painted it!”

Chen is a different case entirely. He is one of those rare artists who can both paint and express his ideas in writing.

In 1965 he wrote “On Abstract Art,” in Wen ­Hsing Magazine. It was the first real examination of abstract art published in Taiwan. Subsequently he published a series of articles in other magazines, including Oriental Magazine and Young Lion Monthly, introducing Western art to local readers. He introduced his collection of Aboriginal art through columns published in the United Daily News and the Independence Evening Post. He has also published his ideas on art in book form, in The Sayings of Chen Cheng-­hsiung on Art

“My art is evocative, not descriptive,” Chen writes in the book. “It is a visual metaphor, not a visual narrative.”

Looking at Chen’s paintings after reading his writing on art allows for a deeper comprehension of the artist’s vision. His landscapes are painted without clear borders; his world needs no horizon. Viewers can understand his sensibilities through his blocks of color and seemingly random sprays of colored dots. In Cherishing the Ambitions, the artist uses blocks of color to express the energy and excitement of new beginnings. Standing in front of the painting, the viewer can sense the power stirring within the work. “That’s right,” Chen says. “Only if it resonates is it a success.” 

In 2014, Chen received a National Award for Arts from the National Culture and Arts Foundation. This honor recognized the artist’s six decades of creation. But Chen is not done innovating. “As long as I can still paint and my mind is still active, I won’t stop creating new art,” he says.

At over 80 years of age, Chen says he hopes to make more money through his art so that he can open an art museum in a downtown location and exhibit his paintings and his collection of Aboriginal artifacts. In my notebook, I jotted down the following words, “Joy makes him indefatigable; his enthusiasm has never wavered.” This encapsulates the relentlessly pioneering career of this celebrated Taiwanese abstract painter.  

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以抽象藝術豪賭的人生

文‧鄧慧純 圖‧陳正雄

1999年、2001年,陳正雄分別以《窗》系列、《數位空間》系列獲得義大利佛羅倫斯國際當代藝術雙年展「終生藝術成就獎」及「羅倫佐金質獎章」的肯定,是唯一連續兩屆獲此殊榮的亞洲藝術家。第二度獲獎時,義大利佛羅倫斯國際當代藝術雙年展總監史派克博士表示:「以抽象畫表達今日數位空間的意境,迄今尚未發現第二人,所以『再度』頒給陳君最高榮譽的『終生成就獎』及『偉大的羅倫佐』獎項。」

從年輕時接觸抽象藝術開始,逾一甲子的時光,陳正雄已晉升國際級藝術大師,抽象畫仍是他「在天願作比翼鳥,在地願為連理枝」的摯愛,突破創新仍是他不懈的人生課題。


按下電腦的啟動鈕,螢幕出現形如飄動的窗子,這是美國微軟公司Windows作業系統的開機畫面,也是全球使用者都熟悉的圖示,但唯有陳正雄從中得到靈感,再結合他旅遊俄羅斯所見的聖像畫構圖,讓中國的狂草與繪畫元素的色彩、線條在畫布上對話。開始《窗》系列的創作,那年陳正雄57歲。

觀察人類進入到以「0」與「1」這最簡單的數字元素所建構的虛擬空間,讓畫家的靈感再次被啟動,創作《數位空間》系列,他將畫布三分為上二下一的區塊,上二的兩個空間填入藍色與黃色,下方橫貫的長方體置入中國狂草的書法;曾為陳正雄立傳的旅法華裔作家祖慰解釋,藍色象徵海洋,黃色象徵陸地,兩者是我們賴以生存的量子空間,下方涵蓋文字與圖像訊息的狂草則是數位化生存空間。以如此簡要的抽象元素呈現我們所處的數位時代,這幅畫讓他再次攀登藝術的高峰,那年陳正雄66歲。

當許多藝術家年近耳順,自覺歷史定位已定案而歇筆時,陳正雄的筆刷還是繼續在畫布上揮灑,敏銳的感受時代的變遷,將對環境的觀察融入自己的情感,把不可見的內在世界化為可見的視覺存在。「我不喜歡重複自己,這不是創作。」「50歲之後,我的巔峰期就開始了。從80年代末葉一直到現在,是我最精華的時期。」年過八旬的他,還矢志要超越那「已經成功的自己」,讓人不難聯想是他對藝術創作活跳跳的熱情,成就了畫家卓然不朽的藝術生命。

以生命為籌碼,為抽象藝術孤注一擲

回顧陳正雄的繪畫生涯,「守成」是他生命中不曾出現的字眼。高中時期,在大師李石樵門下學畫,陳正雄的畫就與大家長得不一樣。陳正雄說:「大概是天性,我喜歡自由一點,我是把對風景的感覺畫出來,也就是我以主觀的態度來描繪自然。」因此一樣畫風景,他的《池畔》、《花瓶》、《九份風光》就在具象中帶有抽象,而自成一格。

成名甚早,陳正雄在高中時期的作品即獲選國內重要美展,高中三年級,他早已準備去巴黎學畫,卻被父親勸阻。他記得父親說:「你如果能夠靠畫生活,那我不反對,但我怕你一輩子潦倒。」陳正雄因此改考入中興大學經濟系。英日文俱佳的他在這時期閱讀了大量西方抽象藝術的經典原著,如康丁斯基的《藝術的精神性》、英國藝評家伯特里德的《現代藝術簡史》等書,開啟了他對抽象藝術的認識。

抽象藝術的發展有其歷史演進過程,當時少有人像陳正雄能直接閱讀經典原著,因此社會大眾常誤以為「非具象即是抽象」。但陳正雄解釋,西方20世紀的現代主義運動,是冀望將藝術從宗教、文學、自然的附庸解放出來,其終極目標是要建立藝術的自主性,主張讓繪畫的基本元素——色彩、形象、線條——回復其原來的位置。因此當1905年野獸派的馬諦斯把色彩解放,1907年畢卡索以立體派將形象破解再重新組織,到1910年,康丁斯基的抽象畫就產生了。

陳正雄嚮往抽象畫中忠於自我內在的情感和自由精神,也讓他確認自己將以抽象藝術為終身的依歸,那年陳正雄方23歲。但想以專業畫家為職並非易事。大學畢業後,陳正雄順利在當時的美援機構謀得一職,業餘仍持續繪畫創作。

美援時期,有許多外籍人士駐留台灣,陳正雄受託為一位美軍少將畫下他在風雨中堅毅度過難關的一幕,陳正雄左右思量,決定將東方水墨畫的寫意運用到油畫中,這幅畫很受委託者喜愛,自此許多外籍人士都找上門來,連美國大使、巴西大使都登門來向他買畫。陳正雄描述,那時候許多駐台的美軍都喜歡到他的畫室買畫,當時美金與台幣的匯率約1:48,陳正雄一幅畫的行情約300500美金,賣一張畫就等於他同學在銀行工作一年的薪水。

雖然賣畫的收入不錯,但主要仍靠外籍人士的支持,國內藝術經紀市場尚未發展,以繪畫為正職仍是人生的一場豪賭,但陳正雄像敢死隊一樣,毅然決然地辭了正職的工作,要以專業畫家的身分跨步向前,那年他32歲。

從異文化擷取元素,融合創新

除了抽象的點、線、面,鮮豔的色彩是陳正雄創作的基因。他的作品總是色彩繽紛,帶給觀者歡愉之感,因此有人稱他是「色彩的魔術師」,旅法的華裔作家祖慰為他寫的傳記,書名就取做《畫布上的歡樂頌》。

色彩的源頭,來自陳正雄的台灣原住民文物收藏,從31歲開始,他收藏原住民的文物已歷半個世紀;當初陪外國友人收購原住民的文物,他自己也買了幾隻菸斗,越看越有興趣,讓他開始投入收藏原住民精品,還踏遍台灣各地,深入部落進行人類學調查研究。原住民用色大膽、狂放的生命力吸引著他。陳正雄畫中的柔美、華麗則來自他收藏二十多年的清宮廷服飾文物,昔日帝王世家衣飾講究富麗莊嚴亦轉化成為他創作的靈感。

他還走遊世界,結交各地的藝術家,如美國抽象畫大師山姆法蘭西斯、法國當代藝術大師彼爾阿雷辛斯基、旅法的日本抽象畫大師菅井汲、池田滿壽夫等,他和這些大師做朋友,同時一探大師的腦內時空。

種種機遇都化成他創作的養分,他在著作《陳正雄畫語錄》寫下:「藝術家需要建構自己的藝術基因庫,懂得從異質文化的藝術寶庫中尋找新穎的藝術基因,加以萃取後,以創造新物種的方法,創作出無疆界的藝術作品來,這才是上上之策。」融合了這些藝術基因,也為他的藝術生涯創造一次次的高峰。

藝術是召喚的,是視覺的「隱喻」

祖慰在為《陳正雄畫語錄》寫的序言中,曾提到一段他與國際著名抽象畫家趙無極的對話,他問趙無極,這幅畫傳達您什麼樣的內在體驗?趙無極反答說:「我要是說得出來就不畫了。」

藝術家以視覺符號傳達心中的旨意,本是自然。唯陳正雄不同,他一手拿畫筆,一手寫字,是國內少數能畫能寫的藝術家。

他的文字著作洋洋灑灑地長長一大落,從接觸抽象畫之初,1965年他就在《文星》雜誌發表〈談抽象藝術〉一文,那是國內第一次真正正確談論何謂抽象藝術的文章。之後陸續在《東方》、《雄獅》各期刊中引薦西方藝術介紹給國內讀者。他也將自己的原住民收藏化為文字,在《聯合報》、《自立晚報》專欄發表。他更出書立言,將一甲子的思想記錄下來,完成《陳正雄畫語錄》,一字一句寫下藝術家的所思所言,讓人理解何為藝術,何為抽象藝術。

在書中,他寫道:「我的藝術是『召喚的』,而非『描繪的』。如同音樂,旨在激發內在情感,而非記錄自然的外貌或述說故事。它是內在經驗的一種強烈表徵,是視覺的『隱喻』,而非視覺的『敘述』。」他又說:「我的作品一幅幅都用色彩表現出生命在大自然中的躍動與歡愉。」

讀了這些字句,再連結到陳正雄的作品,讓人對他畫中的世界有更深的體悟。他的風景不需要輪廓線,世界也沒有地平線,只靠著揮灑的色塊和看似隨興噴灑的彩點,觀者即能感其所感。如《春天裡的春天》系列,其一的靈感來自巴黎的春天,以高彩度的粉紅搭配鮮綠的色彩,畫者所感受到花都巴黎的奔放和自由隨即溢於言表。另一幅畫記錄了京都的春天,因此用色轉為粉嫩而迷濛,即讓人聯想到日本的含蓄內斂。作品《志在四方》,用色塊表現向前衝刺的動勢,蓄勢待發的氣魄藏在畫中蠢蠢欲動,站在畫前,即有所感。陳正雄說:「那就對了,有共鳴,就代表通了。」

抽象畫一點都不難,只是一般人多懼於抽象畫「無可名之形」,而退避三尺。懂的人少,自然收藏的也少,也因此陳正雄說他的創作是一條「孤單、艱苦的漫漫長路」。

2014年,陳正雄獲頒國家文藝獎,這份遲來的榮耀,是對藝術家一甲子堅持的肯定;但藝術家的手仍不歇止,他說,「只要我的手還能動,腦筋還靈活,我的創作是不能停的。」年逾八旬的藝術家還說要努力賺錢,想在市區蓋一棟美術館,展示自己作品和收藏;而筆者在筆記上寫下「樂此不疲,始終不渝」8個字,敬佩這位不輟自我突破的台灣抽象畫先驅──陳正雄。

抽象画に賭ける人生

文・鄧慧純 写真・陳正雄提供 翻訳・松本 幸子

1999年と2001年に、陳正雄はそれぞれ『窗(窓)』と『数位空間(デジタル空間)』のシリーズで、イタリアのフィレンツェ・ビエンナーレにおいて「特別功労賞」と「ロレンツォ・イル・マニーフィコ賞」を受賞し、アジアのアーティストとしては初めての2年連続の受賞となった。2度目の受賞時、フィレンツェ・ビエンナーレの実行委員長であるスパイク博士は、「抽象画によるデジタル空間の表現では、今でも陳氏をおいて右に出る者はいない。そこで、再び氏に、最高の栄誉である『特別功労賞』と『ロレンツォ・イル・マニーフィコ賞』を授与するものである」と授賞理由を語った。

若い頃の抽象芸術との出会いから60年、陳正雄は今や国際的巨匠となった。彼にとって抽象画は切り離せない存在であり、新たなものを生み出し続けることは彼の生涯の課題である。


パソコンのモニターに、揺らぐような窓のロゴが浮かぶ。世界中のユーザーに馴染み深い、マイクロソフト・ウィンドウズの起動画面だが、陳正雄はここからインスピレーションを得た。自分がロシア旅行で見た宗教画の構図に中国の草書を加え、色と線の対話を試みた作品——『窗(窓)』シリーズに取り掛かった時、彼は57歳だった。

次に、0と1からだけで成るヴァーチャル空間での人類の営みを見て、画家のインスピレーションは再びかき立てられ、『数位空間(デジタル空間)』シリーズが生まれた。キャンバスを縦に2分し、その上部を更に2分して青と黄色で塗り分け、下部の細長い空間には草書を配した。陳正雄の伝記を執筆したフランス在住の作家、祖慰によれば、青は海、黄は陸の象徴で、我々の生存する空間を表し、下部の草書はデジタル化された空間を表す。簡略化されたエレメントによってデジタル化時代を表現したこの作品で、彼は再び芸術の高みに登りつめた。66歳だった。

60歳ともなれば、多くのアーティストが自分の人生を見定め、筆を置こうかと考える頃だが、陳正雄は違った。時代の変化を鋭敏に感じ取り、内なる思いとともにそれらを視覚化する。「同じことをするのは嫌いです。それは創作ではありません」「50歳以降が私のピークの始まり、80年代末からが私の最盛期です」と、80歳を過ぎてなお「成功した自分」を超えようと志す。

人生を抽象芸術に賭けて

陳正雄の絵画人生に「守り」という文字は見当たらない。高校時代に李石樵の門下で絵を学んだが、その頃から彼の絵は周囲と大きく異なった。陳正雄は「生まれつきでしょうね。自由であることが好きで、たとえ風景画でも、私の感じたもの、私の主観を描きます」と言う。確かに彼の『池畔』『花瓶』『九份風光』は風景画ながら抽象的な要素があり、独特な作品となっている。

高校時代すでに国内の名だたる美術展で受賞、高校3年でパリ留学を志すが、父親に「絵で食べていけるなら反対はしないが、ものにならないだろう」と反対された。それで中興大学経済学科に進学した。英語も日本語もできた彼は、大学時代に抽象芸術についての原書を大量に読んだ。カンディンスキーの『抽象芸術論—芸術における精神的なもの』や、イギリスの芸術批評家ハーバート・リードの著作などにふれ、抽象芸術への認識を深めていった。

当時、陳正雄のように原書を読んで抽象芸術を学ぶ人は少なかった。「具象でないものが抽象」と単純に理解されがちだが、陳正雄によれば、20世紀のモダニズムは、芸術を宗教や文学、自然から解放するものと期待され、その最終目標は芸術の自主性を確立することであり、絵画の基本要素である色、形、線をあるべき位置に戻そうというものだった。1905年にフォービスムのマティスが色彩を解放、1907年にピカソがキュビズムによって対象の再構成を成し遂げ、1910年にはカンディンスキーの抽象画が登場した。

陳正雄は、自分の内なる思いや自由な精神を大切にする抽象画に魅了され、抽象芸術を一生の拠り所にしようと決めた。23歳の時だ。だが、画家になるのは容易ではない。大学卒業後は就職し、アマチュアとして創作を続けた。

台湾が米国の経済援助を受けていた当時、多くの外国人が台湾に駐留していた。陳正雄はある日一人の米軍少将から、風雨の中で任務を遂行するシーンを描いてほしいと頼まれる。考えた末、水墨画のタッチを生かした油絵にすると、とても喜ばれた。以後、外国人からの注文が殺到し、アメリカやブラジルの大使も彼の絵を求めたほどで、1枚300〜500米ドルで売れた。1枚で、銀行に勤務する同級生の1年分の給料に相当した。

だがそれは主に外国人の買い手によるもので、国内の芸術市場はまだ未発達、絵を職業とするなどギャンブルに等しかった。だが陳正雄は決死の覚悟で仕事を辞め、画家としての道を歩み始める。32歳だった。

異文化の融合

点、線、面を駆使するほか、鮮やかな色彩も陳正雄の創作には欠かせない。「色彩の魔術師」と呼ばれるゆえんだ。祖慰による陳正雄の伝記のタイトルも『キャンバスに描く歓喜の歌』だ。

その色彩の源は、陳正雄が収集した台湾先住民の文物だ。31歳で先住民の文物を集め始めて以来、半世紀になる。初めは外国の友人の買い付けに付き添ったのがきっかけで、自分も買った数本のパイプを、見れば見るほど気に入った。それ以来、逸品を求めて台湾各地を回って人類学調査も行うようになり、先住民の大胆な色使いや奔放な生命力に魅了された。一方、彼の絵の優美さや華麗さは、20数年前から所蔵する清の宮廷衣装から来ている。皇帝たちがこだわったきらびやかさも、彼の創作のインスピレーションの源だ。

また、世界各地の芸術家と交流を結ぶ。アメリカの抽象画家サム・フランシスや、ベルギーの前衛画家ピエール・アレシンスキー、菅井汲や池田満寿夫とも親交があり、彼らの思考にふれた。

彼は自著『陳正雄画語録』の中で、「芸術家は、自分の芸術遺伝子バンクを作る必要がある。異質な文化の宝庫から新たな芸術遺伝子を探し出してそれを精製し、新たな種のための方法を作り出すことで、国境のない芸術作品を生み出す。これが最上の方法だ」と書く。こうした芸術遺伝子の融合により、彼は他に類を見ない作品を生み出してきた。

「描く」のでなく「呼び出す」

祖慰は『陳正雄画語録』の序言に寄せて、国際的な抽象画家である趙無極との対話を紹介した。趙無極に「この絵で伝えようとしたのはどのような内在的体験か」と問うと、趙は「語れるようなものなら描いたりしない」と答えたという。

芸術家が表現に視覚的記号を用いるのは自然なことだ。だが陳正雄は絵筆を揮うと同時に文章も書く、国内では数少ない芸術家の一人だ。

彼の執筆は尽きない。抽象画に接し始めた1965年には雑誌『文星』に「談抽象芸術(抽象芸術を語る)」という国内で初めて抽象芸術を論じる一文を発表した。その後も『東方』や『雄獅』に西洋芸術紹介の文章を寄せた。自分の先住民コレクションについても書いて『聯合報』『自立晩報』で発表した。また、60年にわたる自らの考えを『陳正雄画語録』としてまとめた。芸術とは、抽象芸術とは何かが語られている。

同著に彼はこう書く。「私の芸術は『呼び出す』もので、『描く』ものではない。音楽のように内なる思いを発するのであり、自然の外観を記録したり物語を述べたりするものではない。それは内なる経験の強烈な表出であり、視覚的『隠喩』であって、視覚的『叙述』ではない」「作品の一枚一枚はいずれも、大自然の中での命の躍動や喜びを色彩で表現している」

彼の描く風景には輪郭も地平線もない。鮮やかな色の塊や、気ままに散らされたように見える点の数々から、鑑賞者は何かを感じ取る。『春天裡的春天(春の中の春)』シリーズでは、パリの春からインスピレーションを得たものがある。鮮やかなピンクに緑が配され、花の都パリから感じた自由奔放さを表現した。京都の春もある。ソフトでおぼろげな色が用いられ、含蓄的な日本文化を感じさせる作品である。『志在四方(志は四方に)』の前に立つと、突き進もうとする気迫のようなものが感じられた。そう陳正雄に告げると「それでいいのです。共鳴したのです」と答えた。

抽象画は決して難しくはないが、敬遠する人が多い。理解する人が少ないと、収蔵しようという人も少なく、陳正雄は「一匹狼の、つらく長い道のり」だと言う。

2014年、陳正雄は国家文芸賞を受賞、60年にわたる創作にやっと栄誉が贈られた。「手が動いて頭も鮮明なら、私の創作は止まりません」80歳を超えてなお、もっと稼がなければと彼は言う。市街地に美術館を建て、自分の作品の展示と収蔵の場にしたいからだ。前進を続けるこの台湾抽象画の先駆者に敬服し、思わず言葉が浮かんだ。「これを楽しみて疲れず、終始変わらず」

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