金枝演社 偏鄉美麗走演

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2015 / 8月

文‧劉嫈楓 圖‧莊坤儒


「人生無處不戲劇!」新竹五峰雲霧氤氳的深山裡、桃園大溪人聲鼎沸的夜市旁,都有創團22年的金枝演社與觀眾一同創造的感動與回憶。

為了將愛與歡樂回饋觀眾,2009年金枝演社啟動的「金枝走演,美麗台灣」計畫,至今已走遍了一百二十多個鄉鎮。不說大道理、不讓藝術變得難懂,充滿誇張動作、捧腹台詞的金枝演社,要讓全台觀眾回到戲棚下,大笑連連。


訪談開始前,金枝演社創辦人兼藝術總監王榮裕特地拿來22年前創團不久後,劇團在台北公館人性空間表演時,一張手寫的宣傳字條。

不到A4大小、黑白影印的紙張,對比現今足以供養14名行政人員與演員的劇團規模,「這都是台灣觀眾以一張張門票餵養出來的金枝演社。」王榮裕說。這份惦記在心的感激,讓王榮裕決定在2009年帶著《可愛冤仇人》、《仲夏夜夢》等多齣精彩好戲下鄉走演,回饋觀眾。

散播歡樂,撒下藝術種子

金枝演社的偏鄉巡演計畫目標走遍全台,在高雄鳥松開始第一場後,五年多來已經完成一百二十多場,宜蘭壯圍、新竹五峰都有他們的足跡。雖然遠遠落後於當初設定在一年內巡演全台319鄉的期程,但王榮裕樂觀地笑說,「再五、六年,我們就可以達成目標!」

在回饋鄉親之餘,金枝演社希望為悶了許久、對未來充滿焦慮的台灣帶來歡樂。更重要的目的是希望藉著巡迴演出,在地方撒下藝術的種子。

王榮裕認為,被手機、電腦、電視綁架的現代人距離藝術越來越遠。很多人以為去過一趟巴黎羅浮宮、聽過貝多芬第5號交響樂,就等同於接觸藝術,「但真正的藝術欣賞是不論何時想起、聽到,隨著人生當下的處境、心情,都有不同的體會。」王榮裕說。

曾經在雲門《流浪者之歌》擔綱僧人一角的王榮裕,引述林懷民對他說過的一番話,「如果能把民眾騙離電視、電腦,哪怕是幾十分鐘,只要來到現場,就是功德無量。」儘管藝術播種的工作,最終可能只有幾顆種子開花結果,「但如果不做,一切都不會發生。」王榮裕說。

把觀眾帶回戲棚下!

這不是金枝演社首度嘗試走入地方的演出。1992年,王榮裕以母親謝月霞的故事為藍本創作的《胡撇仔戲─台灣女俠白小蘭》,就在龍蛇混雜的夜市以野台演出;1999年,為了撫慰921地震後災民的心情,金枝演社團開著卡車巡迴災區演出。

從小在戲班長大的王榮裕,母親是艋舺、古亭一帶的當家歌仔戲小生。演出時人山人海的盛況,讓王榮裕親眼見證了台灣歌仔戲的極盛時期。如今歌仔戲的昔日榮光不再,台前觀眾冷清地只剩「三隻小狗、兩位神明」,讓他備感唏噓。

在物質匱乏的年代,歌仔戲是台灣社會藝術養成最直接的所在,舉凡酬神敬謝、農民收成割稻都會邀來戲班表演。因此,和王榮裕同輩或上代的創作者,作品的配色、構圖多少都見得到歌仔戲與布袋戲留下的影子。

28歲才從事劇場工作的王榮裕坦承,年輕時因為母親的戲子身分、操著台語,一度覺得歌仔戲沒水準,直到從事劇場工作近30年回頭再看,才懂得本土的歌仔戲如此代表台灣特色。因此,金枝演社將歌仔戲的野台特色融入現代戲劇,進而形塑出「胡撇仔美學」。

許多人乍聽「胡撇仔」一詞,心中不免疑惑究竟是什麼。但聽來有點土、有點台、有點古怪搞笑的名稱,其實是在日據時代禁演台灣戲曲的時代氛圍下,民間混搭日語、各種歌曲變通創造的庶民表演,其發音正是來自英文「opera」。轉譯為中文後,呈現出胡撇仔戲通俗而親民的性格。

到了王榮裕創辦金枝演社時,便將舊日胡撇仔戲誇張通俗的特色挪移到創作,再加上台灣歌仔戲草根文化,孕育出「金枝演社版本」的胡撇仔戲。因此,身上本來就帶著「野台草根DNA」的金枝演社來到地方鄉鎮演出自然不陌生,「更要把觀眾帶回來戲棚下」。王榮裕說。

觀眾與演員,創造戲劇的完美時刻

只是,戶外演出,一切的狀況都難以預期。除了得考慮天候,劇團必須從無到有搭建舞台的時間成本,比起室內表演高出3倍。最嚴峻的挑戰,是來自現場觀眾的直接反應。

被王榮裕形容為「黑盒子」的劇場演出,觀眾受限於室內戲院演出規定,就算不滿意也不能馬上離席。但戶外表演就不是如此,沒有大門、收票人員,人人來去自如。一旦戲演得不好,觀眾隨時都可以離開。「戶外劇場是很殘酷的。」王榮裕說。

或許是每場演出都是獨一無二的經驗,金枝演社下鄉巡迴演出總是充滿不少令人難以忘懷的小故事。

日前,金枝演社來到新竹五峰、橫山與新豐演出,其中兩個是傳統客家庄、一個居民多數是原住民,本來以為演出裡大量的台語台詞,會阻礙民眾欣賞。但事後證明,「一齣好的戲劇演出,是可以跨越族群、語言和年紀的。」王榮裕說。

這些趣談裡的人物插曲,包括跟著金枝演社演到哪賣到哪的路邊攤小販,還有因為台上演出太過精采,竟忘了自己手臂斷了,不顧手傷鼓掌忘情叫好的觀眾;也有剛好路過停下腳步欣賞,後來發現演出精彩萬分,急電朋友一同加入的路人……。

每回表演,金枝演社都會擺上的小額贊助箱,也讓王榮裕感受到台灣民眾的有情有義。看到爸爸媽媽抱著小朋友投下幾十元、阿嬤從口袋掏出一百元,贊助金枝演社,都讓王榮裕「足感動、足感動耶。(台語)」他說。

演出一百二十多場後,這群從第一場參與至今的演員,個個都蛻變為王榮裕口中「男的緣投、女的有夠水」的樣子。誇張口吻的背後,還有靠著巡迴出演紮實磨練來的「藝術質感。」

什麼是藝術質感?王榮裕說,用言語難以表達。但在他看來,這群演員的情感表達、演出技巧以及現場節奏的掌握都更為細膩精準。但一場完美的演出光靠演員還不夠。「劇場有所謂的『perfect moment(完美時刻)』,」王榮裕解釋,演員表演的眼神、動作必須有另一個演員接應,這是戲劇理論說的「拋接球」,而台上細膩的互動,觀眾也接到了,才構成完美時刻。台下觀眾永遠是劇場的一部分。因此,哪怕台前觀眾是5位、還是500位,金枝演社都將以在國家戲劇院的規格演出。

睽違十年,再次重演環境劇場經典《祭特洛伊》

巡演計畫邁入下半年,曾被劇評家評為是台灣少數「既能寫出闔家同歡的大眾戲劇,也能端出古典、充滿儀式性的戲劇作品」的金枝演社,10月也準備在淡水雲門劇場重新演出睽違10年未演的劇作《祭特洛伊》。

王榮裕表示,《祭特洛伊》是一部貼近台灣社會脈動的劇作。從1997年首度演出、2005年二度公演以至今年再次推出,都和台灣所處的政經局勢息息相關。

當初創作《祭特洛伊》時,王榮裕曾翻遍了希臘神話故事,後來發現特洛伊城的背景與台灣極其相似。同樣位處兩大洲域疆界,因緊扼交通要塞,使得這座小城自古以貿易興國,卻也成為各國眼中極具戰略意義的地方。推出這齣劇作意在提醒大家珍惜眼前的台灣,否則將步上3,000年前特洛伊城的命運,「希望以古喻今。」王榮裕說。

《祭特洛伊》此前兩次公演都受到觀眾好評,也成為金枝演社創團以來,演繹環境劇場的經典。1997年在當時仍為華山舊酒廠的演出,甚至成為後來催生華山文創園區的契機。

此回重演,王榮裕坦言壓力不小,有別於先前2次華山舊酒廠廢墟建築、淡水滬尾砲台與高雄旗津砲台的現成場景為表演加分,這次預計演出的場地是一片空曠草皮,如何營造出不同的舞台氣氛,讓他絞盡腦汁。緊鑼密鼓排演之餘,王榮裕打算將舞台深入觀眾席裡,讓觀眾一起加入演出。「有了演員和觀眾,就足以構成戲劇。其餘的音樂、舞台與燈光都是附加的。」

對於王榮裕來說,「人生無處不戲劇。」他表示,兒時看戲經驗隨處可及,廟口田邊都有歌仔戲、布袋戲開演。不像現在非得在特定空間地點,才能看到表演。為了打破場地局限,大樓屋頂、古蹟廢墟都可以是金枝演社的舞台。

以天地為景的戶外演出,讓王榮裕直到現在都猶記一場在高雄旗津砲台演出的場景。「當演員站在舞台上,觀眾望去,一輪明月就掛在天邊。那幅畫面是再多金錢也換不來的。」

從小在戲班長大、後來加入優劇場,兩道不同的藝術養成過程都在王榮裕身上留下軌跡,也造就了金枝演社既能大眾也能古典的表演路線。做戲近30年,經過無數場的舞台鍛鍊,過去汲汲於追求藝術極致的王榮裕,「今年,終於懂了什麼是藝術!」他說。

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Bringing Theater to the People—Golden Bough Theatre

Liu Yingfeng /photos courtesy of Chuang Kung-ju /tr. by Geof Aberhart

All the world’s a stage, and the 22-year-old Golden Bough Theatre has embraced this idea wholeheartedly, touching audiences with performances in locations as diverse as the misty mountains of Wu­feng, Hsin­chu County, and beside a bustling night market in Daxi, Tao­yuan.

In an effort to bring love and joy to more audiences, in 2009 Golden Bough Theatre began its “Golden Bough Across Taiwan” program, which has seen the troupe perform in over 120 small towns around Taiwan. Rather than being about highfalutin’ philosophies and artistic abstruseness, Golden Bough’s performances are more focused on exaggerated motions and belly laughs, aiming to entice audiences back to the theatre with non-stop entertainment.


For his meeting with Taiwan Panorama, Golden Bough Theatre’s founder and creative director Wang Rong-yu specially brought along a copy of a handwritten flyer for a performance 22 years ago, just after the troupe was founded.

The simple black-and-white photocopy, barely A4 sized, recalls a very different time for the troupe, which today comprises 14 administrative staff and performers. “Golden Bough was built up by Taiwanese audiences over the years, ticket by ticket,” says Wang. It was the memory of this support that inspired Wang in 2009 to take several of the troupe’s shows on the road, including She is So Lovely... and Midsummer Night’s Dream, giving something back to the audiences that had been so supportive.

Golden Bough’s touring performance project has seen them travel the length and breadth of Taiwan, putting on over 120 performances over five years in locations as diverse­ as Niao­song in Kao­hsiung City, Zhuang­wei in Yi­lan County, and Wu­feng in Hsin­chu County. In addition to entertaining rural audiences, the project also aims to bring some joy to a country that has long been beset with melancholy and anxiety about the future. Even more importantly, though, the “Golden Bough Across Taiwan” project is hoping to sow the seeds of a vibrant art scene in rural Taiwan.

Bringing audiences back to theater

Wang Rong-yu grew up in the theater, his mother a player in a Taiwanese Opera troupe in the Wan­hua–Guting­ area of Tai­pei City, allowing Wang himself to be a witness to the glory days of the form as audiences packed the house. Today, though, Taiwanese Opera’s glory has faded, and audiences are down to “three dogs and a couple of god statues,” sighs Wang.

As a young man, Wang thought of Taiwanese Opera as low class for its use of the Taiwanese language. It was only after nearly three decades of work in the theater, after starting at age 28, that he was able to reflect and finally understand how Taiwanese Opera represents Taiwan’s grassroots. It was that understanding that led to Golden Bough incorporating modern elements into the traditional form of Taiwanese Opera, “koa-á-hì,” to reinvigorate it, creating their own form of “ôo-phiat-á.”

Even many Taiwanese find themselves befuddled by the name ôo-phiat-á, being left with the impression that it’s something a bit hickish and weird-sounding. The term dates back to Japanese rule of Taiwan, when in an effort to “Japanize” the Taiwanese, Taiwanese theater was banned; ôo-phiat-á, derived from the word “opera,” describes the variant form of Taiwanese Opera that developed in response, combining the traditional form with the Japanese language and more modern musical elements.

When Wang founded Golden Bough, he was inspired by the exaggerated nature of ôo-phiat-á, taking it and recombining it with grassroots Taiwanese Opera to create a unique Golden Bough style of ôo-phiat-á. This “grassroots DNA,” which helps the troupe’s performances feel familiar to small towns across Taiwan, “helps us bring audiences back to Taiwanese theater,” says Wang.

Making a moment

Performing outdoors, though, comes with its share of problems. Not only do the troupe have to keep an eye on the weather, they also have to consider the time it takes to set up a stage from scratch, which is at least three times as long as preparing an indoor performance. But the biggest challenge comes from the audience.

Wang describes indoor performance as a “black box” from which nothing escapes—audiences are stuck inside, unable to just get up and leave if they don’t like the show. Outdoor performances have no such restrictions, though, lacking doors, walls, and ushers, so people can come and go as they please. As soon as they’re no longer interested in the show, they can simply leave and look for something else. “Outdoor theater is ruthless,” says Wang. Each performance is a unique experience, and Golden Bough’s tour of Taiwan has been full of unforgettable stories.

Not long ago, Golden Bough traveled to Xin­feng, Heng­shan, and Wu­feng in Hsin­chu County, two of which are traditional Hakka villages and the other home to an Aboriginal majority. At first the troupe were concerned that the large amount of Taiwanese in their shows would be an impediment to these audiences, but as it turned out, “a good show can transcend ethnicity, language, and generation,” says Wang.

In the course of their tour, Golden Bough has encountered plenty of characters. One was a street vendor who decided to travel alongside the troupe, setting up shop wherever they performed; another was an audience member who got so engrossed in the show he couldn’t help but cheer and applaud, forgetting he had a broken arm. Another was a passerby who during one of their shows stopped to see what was going on and was so impressed he immediately grabbed his phone and called up a group of friends to come see.

At every performance, the troupe puts up a donation box, and the support audiences have shown has reaffirmed Wang’s faith in the Taiwanese people. Seeing parents holding their children and dropping in a few dozen dollars, and old ladies fishing NT$100 out of their purses to support the troupe, has left him “utterly moved,” says Wang.

A returning classic

About six months into the touring project, Golden Bough was described by a theater critic as “one of the few troupes in Taiwan that is capable of creating shows for the whole family as well as theater redolent with classical style and rituality.” This October, Golden Bough is preparing to bring one of their classics, Troy, Troy... Taiwan, back to the stage at Cloud Gate’s theater in Tam­sui after a ten-year break.

Wang describes Troy as a show with its finger on the pulse of Taiwanese society. First performed in 1997, with a revival in 2005, the show has always enjoyed close links to Taiwan’s political and economic situation.

Troy began as an attempt to translate the story of the Trojan Horse, but Wang soon realized that the story’s setting of Troy had much in common with Taiwan—both being caught between great powers, and both being rising states thanks to their position as trading hubs, a status making them strategically important to other states. The intent of the final product is to remind us to treasure Taiwan, lest she share the same fate as Troy did nearly three millennia ago.

Troy’s previous two runs were well received by audiences, and the show has become a classic of Taiwanese environmental theater. Wang admits that there is a lot of pressure in bringing it back, not least from the fact that the previous two runs benefited from their locations. Previously, the show was put on in the abandoned winery in Tai­pei’s Hua­shan, Tam­sui’s Hu­wei Fort, and Qi­hou Fort in Kao­hsiung, whereas the upcoming performances will be on an empty expanse of grass, creating a different atmosphere about which Wang has been racking his brain.

While rehearsals are in full swing, Wang has also been planning how to do the show in the round and get the audience involved. “As long as you’ve got performers and an audience, you’ve got enough for a show. The music, stage, and lighting are all bonuses.”

Wang firmly believes in the old maxim that “all the world’s a stage.” As a child he saw performances every­where, from temples to fields, unlike today, when you can really only see shows in specially designated spaces. Seeking to break theater free of this limitation, Golden Bough has made everything from rooftops to abandoned buildings its stages.

Performing outdoors can create unforgettable scenes. Wang recalls one performance at Qihou Fort, where “the performers were on stage with the audience looking on while the moon hung brightly in the heavens. I wouldn’t trade that sight for all the money in the world.”

Growing up around the theater and founding his own troupe made their marks on Wang Rong-yu, helping him build a troupe capable of capturing audiences with a classical art form. Through innumerable performances over nearly three decades, he has been tireless in his pursuit of artistic excellence. Exclaims Wang, “It’s only this year that I’ve gotten to grips with what art actually is!”

全国各地に笑顔と感動をとどける金枝演社

文・劉嫈楓 写真・荘坤儒

人生はすべて芝居である。新竹県五峰の雲が立ち込める深山で、桃園県大渓の夜市の人ごみで、創設22年の金枝演社は観客と作り上げた舞台の記憶と感動を残してきた。

金枝演社では2009年から「金枝公演、美しい台湾」計画を開始し、これまでに120町村で巡回公演を行った。難しい理屈も芸術も語らず、派手な動作とコミカルな台詞で楽しめる金枝演社の舞台に、台湾の観客の笑い声が絶えない。


金枝演社の創設者で芸術監督の王栄裕はインタビューに際し、22年前の創設時に台北市公館の人性空間での公演の時の手書きの宣伝ビラを見せてくれた。A4ほどの大きさで白黒コピーのビラから14人の団員を抱える現在の規模となったのも「台湾の観客がチケットを買って育ててくれたのが金枝演社なのです」と王栄裕は語る。観客への感謝から、王栄裕は2009年に「愛すべき仇」「真夏の夜の夢」などの演目をもって、多くの市町村を回る野外公演を行うことにしたのである。

喜びを広げて芸術の種を撒く

金枝演社の市町村ツアーは台湾全土に及び、高雄の鳥松を手始めに、5年余りですでに120公演以上をこなし、宜蘭県壮圍や新竹県五峰などの山地にも足を伸ばした。1年以内に台湾の319町村すべてを回るという計画は大分遅れているが、王栄裕は「あと数年で目標達成です」と笑う。

育ててくれた恩返しだけではなく、将来に不安を抱える台湾の観客に喜びを広げたいという。さらに巡回公演を通じて、地方に芸術の種を撒くという目的もある。

携帯やPC、テレビに取り込まれた現代人は、芸術から離れてしまった。芸術と言えばパリのルーブルやベートーベンを思い浮かべる人が多いが、「本当の芸術鑑賞はいつでも、どこでも、人生の各シーンで感じるもの」と王栄裕は言う。

ダンス集団の雲門舞集で僧侶の役を演じた王栄裕は、監督林懐民の言葉「人をテレビやコンピュータから引き離し、数十分舞台を見てもらえればそれでいい」を引いて、「芸術を広めるには、ほんの数粒の種を撒くだけでもいい、何もしなければ何も起こらないのだから」と語る。

観客を野外ステージに呼び込む

この巡回公演は、金枝演社の最初の野外ステージではない。王栄裕は、1992年に母の謝月霞の物語をベースに「胡撇仔戯-台湾女侠白小蘭」を創作し、野外ステージで演じた。1999年には台湾大地震の被災者を励まそうと、トラックを運転して被災地を巡回したのである。

幼いころから芝居一座で育った王栄裕の母は、台北の万華や古亭一帯の歌仔戯の役者で、公演となると人だかりのする盛況だった。王栄裕は台湾歌仔戯最盛期を見て育ったのである。現代では歌仔戯は衰退し、野外ステージ前の観客は犬と廟の神様だけと、彼は嘆く。

貧しかった時代に、歌仔戯は台湾社会において芸術養成の場でもあった。神に豊作を感謝し、収穫には一座の芝居は欠かせなかった。王栄裕と同じか上の世代の舞台作品は、配色や構図などに歌仔戯や布袋戯の影響を色濃く残していた。

28歳で舞台に関わるようになった王栄裕は、若い頃は歌仔戯を軽んじていたという。それが30年の経験をもって振り返ると、歌仔戯こそ台湾を代表する演劇だと思うようになった。そこで金枝演社は歌仔戯の特色を現代演劇に取り入れて、胡撇仔の美学を形成したのである。

胡撇仔と言っても、多くの人は何のことか分からないだろう。台湾的で奇妙な名称だが、日本時代に台湾伝統演劇が禁止されていた中で、日本語や歌を交えて創作された庶民向け演劇の名称で、「オペラ」の音に漢字を当てたものである。

王栄裕は金枝演社を設立したとき、その創作劇にかつての胡撇仔の通俗的で外連味ある特色を取り入れ、台湾歌仔戯も加えて、金枝演社の胡撇仔を生みだした。そのため、野外ステージの草の根遺伝子を有する金枝演社は、地方の町村で公演しても受け入れられやすく、観客をステージに惹きつけることができた。

 

観客と役者が

ステージを生み出す時間

しかし、野外ステージでは思いがけないことが起こる。天候に左右されるし、ステージを組む時間が必要なため、劇場より準備に時間がかかる。しかも現場の観客の反応は直接的である。

王栄裕がブラックボックスと呼ぶ劇場公演にあっては、劇場の公演規定があり、観客は面白くなくともすぐに席を離れられない。ところが野外ステージにはドアもなければ、スタッフもいないため、出入り自由である。つまらなければ、お客はすぐに立ち去ってしまう。

それでも上演するごとに異なる経験が得られ、巡回公演には忘れがたい思い出が積み重なる。

伝統的な客家集落があり、また先住民が多い地域である新竹県五峰、横山と新豊を訪れた時は、台湾語の台詞が多い演目のため、聞き取れないのではないかと心配したが「よい舞台は民族や言語、年齢の壁を越えられることがわかりました」と王栄裕は言う。

金枝演社は上演のたびに寄付用の箱を置くが、それにも台湾の人々の義理堅さを感じる。親に連れられた子供が数十元を入れ、お婆さんが百元を差し出して、寄付してくれる。

120回余りの公演をつづけ、最初から現在まで参加した役者たちはそれぞれ成長し、男優は二枚目に、女優はいい女になったと王栄裕は言う。そこには巡回公演で磨かれた芸術の質感がある。

何をもって芸術の質感と言うのか、言葉では表現しにくいのだが、俳優たちの感情表現や、演技のテクニックと、舞台のリズムが精確で細やかになったということだろうか。しかし、舞台は役者だけでは出来上がらない。「舞台には完璧な時があります」と王栄裕は説明する。役者の視線や動作をもう一人が受け止める、演劇論に言うキャッチボールが必要である。ステージでのやり取りを観客が受け止めることで完璧な時が構成される。舞台の下の観客も、演劇を構成する一部なのである。そのため、観客が5人だろうが500人だろうが、金枝演社は国立劇場のつもりで上演する。

名作「祭特洛伊(トロイ)」再演

巡回公演は下半期も続くが、一家で楽しめる大衆演劇も演じるし、古典的で儀式性のある演劇作品も創作できると劇評家に評された金枝演社は、10月に淡水の雲門劇場で「祭特洛伊」を10年ぶりに再演する。

「祭特洛伊」は、台湾社会の動きを描く作品である。1997年に初演、2005年に再演し、今年再び上演するが、それぞれの時代の台湾の置かれた政治的経済的情勢と緊密に呼応する。この作品を書くに当り王栄裕はギリシャ神話を読み漁り、トロイ(漢字で特洛伊)の状況が台湾と似ていることに気付いた。トロイは二大陸の狭間の交通の要衝で、貿易で立国していて他国にとって戦略的に重要であった。現在の台湾も同じことで、現状を維持しなければ、3000年前のトロイの運命をたどることになるという警鐘である。

「祭特洛伊」の上演は二回とも好評を博し、劇団創設以来の環境演劇の代表作となった。1997年の初演は華山のビール工場跡で上演され、ここに華山文化パークが置かれる機縁となった。

今回の再演には、別のプレッシャーがあると王栄裕は言う。前2回はビール工場跡と、淡水及び高雄の旧砲台で演じたため、古い建物が演出効果を高めてくれた。今回は単なる空き地なので、いかにしてステージに雰囲気を出すか工夫が求められる。稽古に追われる中、舞台を観客席に入り込ませて、観客と共に演じるというアイディアが生まれた。「役者と観客とで演劇を構成するに十分で、それ以外の音楽や舞台やライティングは付加的なものです」と言うのである。

「人生はすべて芝居」という王栄裕の子供時代、どこにでも芝居があり、歌仔戯や布袋戯が上演されていた。現在では上演の場が限られていて、特定の空間でなければ上演できない。金枝演社ではその制限を打ち破り、ビルの屋上や廃墟や遺跡をステージにしてしまう。

天地を大道具にした野外ステージで、今も忘れがたいのは高雄の旗津砲台跡での上演である。「舞台に立って観客席を見ると、明月が天高く掛かり、その光景は金銭では得られないものでした」と言う。

幼い頃から芝居一座に育ち、その後は現代演劇の優劇場に参加、さまざまな芸術要素を身につけた王栄裕である。そのために金枝演社は大衆演劇と古典演劇と、どちらの路線も歩むことができる。演劇に関わって30年近く経ち、多くの舞台を経験してきた。かつては芸術の極致を必死に追い求めた王栄裕だが、「今年になって、芸術とは何か、分かった気がします」と言うのである。

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